Visitamos a Marcos Torino para habitar, mover y tocar su muestra LA TEMPERATURA DEL VÍNCULO, una propuesta ultra minimal desde lo espacial, curada por Melina Berkenwald en Galería PASTO. La obra de Marcos venía desarrollándose como la materialización de sus ideas y pensamientos hasta que necesitó componer muestras performáticas donde los espectadores pudiéramos jugar con cuerpos de colores, fusionando nuestras temperaturas con las de las obras, poniéndonos en el rol de un montajista llevando y trayendo objetos multiformes por la sala. Así este joven artista asume el riesgo que en general los museo y sus pares evitan, acá las obras se tocan, se mueven y hasta se sacan de la Galería.

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¿Cómo nace LA TEMPERATURA DEL VÍNCULO?

Es una muestra a la que me invitó a participar Melina Berkenwald, la curadora. Aunque empecé pintando, ya hace unos años que vengo trabajando más con el espacio, con la instalación y ahora más sobre lo escultórico. De todas formas me parece todo lo mismo, no veo un limite entre distintas disciplinas. Para esta muestra en particular quería trabajar con objetos, no algo en gran escala sino más chico y empecé a pensar y trabajar en eso y cada vez se acercó mas a un objeto, algo que literalmente podés agarrar o tocar o manipular. Hice un trabajo de color y de morfología para llegar a algo, y el título un poco tiene que ver con eso, cuando uno está frente a una obra de arte hay una temperatura,  si la puede tocar hay otra. ¿Cómo se relaciona uno con una obra de arte? Yo tenía la intención de hacer esa pregunta y romper esa barrera, que el público de alguna manera active o pueda sentir un poco más que solo mirando las obras.

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Recién decías que trabajaste con instalación y ahora con estos objetos que la gente puede tocar, mover. Cómo es para vos esa diferencia.

En mi muestra anterior había tratado que el público se comprometa o forzar un poco el vínculo entre el público y la obra, y había hecho unas obras de una escala más grande, escala humana o más, y no sucedía, entonces dije cómo hago para que el público la manipule, la sienta, la pueda tocar. Empecé a diseñar estas formas que tienen manijas, que están diseñadas para la mano, para tocar  la textura. Buscaba algo gastado, como si fuese un tipo de piel. En el proceso llegue a una terminación brillante, pero eso me parece que repele al público, da la sensación de algo frágil, algo para mirar y no tocar, como a veces pasa con la  cerámica. Entonces cuando están brillantes y divinas las empiezo a lijar y lijar y a gastarlas, la gente me decía che, estas seguro? pero la idea es sacarle la carga, acercarlas. Pensaba mucho en el tacto, como se van a sentir y en la forma: en el cuerpo humano, busco una empatía ahí, algo que no es humano pero que remite a algo humano, algo con lo corporal, lo anatómico.

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Y en esta oportunidad ¿se dió espontáneamente que la gente toque la obra?

Sí, yo las había testeado de algún modo en una instancia de clínica, con compañeros que ya están entrenados porque es un contexto de arte, pero sí; en la muestra la gente que no pertenece al mundo del arte enseguida entendió el concepto. El montaje también es importante, al estar colgadas a una altura determinada, más los distintos soportes y alternativas, ya que las obras tienen distintos lugares dentro de la sala. El texto curatorial en sala también ayudó, ahí habla de que yo buscaba ese acercamiento. La gente las agarraba, capaz con temor, pero las agarraban y las cambiaban de lugar. El concepto es móvil, de que no hay un montaje definido, inclusive ciertas formas que tienen su lugar especial terminaron en la otra punta de la sala.

Sucedió y me puso contento. Tenía miedo de que no pase. Estaba el riesgo de que se caigan, se rompan, pero era un riesgo que ya estaba asumido y en la inauguración yo me había propuesto no detener nada si algo estaba en riesgo. Y se descontroló bastante, los niños flashean  con las esculturas y se la bancaron, ninguna salió estropeada; se rayaron un poco más pero tiene que ver con eso también, con algo gastado. Como si fuese piel curtida o algo erosionado, como las botellas en la playa gastadas por la arena y el mar.

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¿Por qué te interesa trabajar un vínculo con el público a través del contacto directo con la obra?

En mi obra más pictórica trabajo e investigo  el color y las formas. En un momento necesité sacarlo de la tela, ponerlo en el espacio y que la gente las experimente, las toque, para involucrar al público y al mismo tiempo forzarlo, algo como:- che, venís a la muestra pero vas a tener que sostenerla, sentirla y vas a tener que trabajar un poco. Me interesa mucho cómo reacciona el público y saber su feed back. Estoy gestionando que venga un grupo de artistas ciegos del Coro Nacional de Ciegos, los invité a conocer la muestra y experimentarla, quiero saber qué piensan de las obras cuando las sostienen.

Es interesante para saber cómo será su experiencia con el color, ellos los sienten por temperatura…

Me encantaría, saber qué colores se imaginan. Ellos son músicos así que ya tienen una sensibilidad artística, me parece súper interesante, porque ellos tienen algunos sentidos mucho mas desarrollados que alquien que ve, quiero saber a qué les remiten al tacto y qué piensan sobre las formas de las obras.

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¿Hacia dónde querés ir con tu obra?

Bueno, no es algo que tenga definido, sino que es algo que voy construyendo, en este momento, que el público se involucre de una forma más fuerte con la obra, que el público la active, que la obra tenga su vida propia, si viene alguien y la activa, se juntan las dos y pasa algo. Por ejemplo este sábado (21 de noviembre) hay un brunch que organiza Pasto, la galería, y estoy organizando unas actividades, una suerte de coreografía entre las obras y  quienes vengan.  Me sugerían que las actividades las hagan performers, pero yo quiero todo lo contrario, quiero que el performer sea la persona, el que pasa caminando, que se involucre y las complete, capaz que la gente salga de la galería con la obra, que se la lleve al kiosco, a la plaza…

Teniendo en cuenta que alguien se puede llevar la obra a su casa.

Es un riesgo que tengo asumido, que estoy dispuesto a correr, confío en el público.

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¿Cuál es el próximo paso a LA TEMPERATURA DEL VÍNCULO?

Esta es mi muestra más escultórica de todas y tengo la intención de seguir un poco por este camino, trabajar un poco más la relación entre el público y las obras, donde yo prefiero no aparecer.

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¿Qué es no aparecer en tu propia obra?

Que la obra tenga su propia vida. Trato de que la obra sea autónoma a mí. Capaz hay un artistas que en su obra es mas autoreferencial o hablan sobre una problematica social o sobre algo que tiene que ver con ellos.  Yo en ese sentido soy más abstracto, trabajo con texturas, colores, temperaturas, formas que tratan de transmitir algo cuando las tocas, no cuando las mirás sino cuando las sostenés, cuánto pesa, sentir la porosidad de la obra. Fue un trabajo  de mucha experimentación, mucho prueba y error hasta que llegué a esto. A un peso que no es ni muy pesado ni muy liviano, algo gastado. La temperatura, a mí me parece por lo que estoy entendiendo que sucede en las manos y el cuerpo de la persona, no sólo en la obra misma. Las obras tienen todas más o menos la misma temperatura.. Cuando alguien las toca, en ese hacerlo, una mezcla entre pudor, miedo, adrenalina y desafío, ahí se genera la temperatura, hay gente que está más en el tema y las toca como si estuviese tocando un libro y no le pasa nada y he visto gente que la tuvo un rato en la mano y cuando me las pasaba se veía el sudor de la mano en la obra, y ves cómo la marca de la mano se va disolviendo, evaporando, ahí está la temperatura, en la persona, no en la obra.

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En la sala no aparece el título de las obras, ¿eso por qué es?

Fue una decisión que tomamos entre el galerista, la curadora y yo, queríamos que fuera algo minimal, que la sala esté lo más despojada posible, sin embargo todas tienen título; Cuerpo Magenta, Cuerpo Verde, Cuerpo Amarillo, Cuerpo Negro y Cuerpo Celeste. Me parecía importante darle ese carácter de cuerpo, refiriéndome al cuerpo de una forma, pero también a un cuerpo humano, porque en algún punto tienen algo de un cuerpo medio mutilado, alguien que le cortaron los bracitos. Los arneses son fundamentales y son parte de las obra, de algún modo las humanizan,  cuando están en el piso o en la pared son una cosa y cuando cuelgan son otra…

¿Cómo elegís los materiales con los que trabajás? ¿Cómo es el proceso de trabajo para vos?

Ya venía trabajando con materiales industriales. Para estas obras usé resinas, fibra de vidrio, poliuretano, hierro, pigmentos… La resina es como una especie de sopa que no es sólo resina, son distintas cargas, pigmentos, cosas que la hacen más resistente, es una receta propia a base de explorar y preguntar. Estuve hablando y trabajando con gente de la industria de surf y del skate,me interesa eso, cruzar información con otras disciplinas, con deportistas, con músicos. Ahora estoy invitando al Coro de Ciegos, me parece que es súper nutritivo para mí y para el otro.

Le llevé este proyecto a un amigo que hace tablas skate y estoy seguro que él sacó ideas y yo también. Mucho YouTube e internet también, viendo  videos y tutoriales; los yankees tienen una técnica de resina, de moldeado y de acabado que es impresionante. Para estas obras al principio se lija con máquina, pero la máquina siempre tiene un mismo recorrido que a la larga va creando un patrón, después las obras tienen ese patrón, como un movimiento que se repite, entonces para eliminar este patrón, todo el lijado final es a mano, con lija al agua, agua y lija;  arrancás con la lija súper gorda y vas bajando de a veinte, pasando por doce lijas hasta que llegás a una que es un casi papel, que es la que pule. Por suerte me ayudaron.

La parte de experimentar con materiales me gusta. Es interesante no saber cómo va a quedar, una vez que aprendés cómo queda esta buenísimo decir no quiero esto y usar el material de otra forma, o esperar dos días en vez de dos horas. Es muy divertido. Me interesa esa incertidumbre de trabajar con algo que no manejás tanto y aparte te lleva a lugares que no sabés. Yo pensaba que las quería de una forma y terminaron de otra.

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¿Cómo ves la escena del arte contemporáneo?

En Buenos Aires la veo enorme. Soy joven pero cuando era más joven, había una muestra el jueves y otra el miércoles y ahora hay dos o tres por día, se hacen circuitos… Me parece que está buenísimo que haya crecido tanto, pero bueno, hay cosas muy buenas y cosas muy malas, hay que ver lo que te interesa. Voy a muestras pero no soy de ir a todas las muestras, no me gustan mucho las inauguraciones. No me siento muy cómodo, en las mías peor, casi que me gustaría no estar, pero hay que estar y defender la obra y hacerse cargo y trabajar. Capaz se piensa que todo termina en la inauguración, termina la parte de producción, pero de ahí en adelante tenés todo otro laburo que es este, el de estar hablando con vos, invitar gente, defender las obras, hacer las fotos…

¿Qué pensás del rol del curador, cómo fue el trabajo en este caso con Melina?

Yo trabajé con ella dos veces , nos entendemos muy bien. Rescato la figura del curador, no hacer todo yo, sino tener a alguien que te va siguiendo, te da otra mirada  o te cuestiona.  Me parece que está bueno trabajar con otra gente, con el curador, con el galerista o con la crítica, que suma y que le da más fuerza a todo el proyecto y la fuerza está ahí, en involucrar gente, hablar con el skater, escuchar esta música y no ser sólo yo y mis esculturas sino abrirlo.

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¿Cómo nació tu vocación de artista?

Siempre de chico estaba en eso, pintando dibujando, con la plastilina. Tenía una tía que es pintora, me acuerdo de ir a su taller y ese olor, ese mundo. Siempre de algún modo hacía algo relacionado al arte y a la vez estudiaba o trabajaba, pero durante mucho tiempo sentía que no era mi profesión, que tenía que hacer otra cosa. Hasta que en un momento dije ya está, mi profesión es esta. Ahí empecé a trabajar con más seriedad, más compromiso, pensando hacia donde quiero ir con mi obra.

¿Cúales son tus referentes?

Cuando pienso en referentes pienso en artistas y no tanto en qué medio o disciplina trabajan. Tengo referentes no sólo en las artes plásticas sino también en la música, el cine o el deporte. Me interesa cómo el artista se relaciona con su obra, me gusta mucho Kurt Cobain, más allá de que él hace música grunge y yo esculturas.

Me gusta mucho un deportista, un skater que se llama Rodney Mullen, cómo el piensa y redefine el deporte constantemente. También referentes que están cerca mío, que son amigos como Federico Lanzi o Flor Vecino. De todas formas a la hora de trabajar no trabajo con referencias específicas, no es que primero hago una carperta de referentes y a partir de eso desarollo mis próximos proyectos. No, yo voy trabajando y al mismo tiempo voy escuchando esta música, voy mirando este video, voy yendo a ver estas películas. Pero a la hora de trabajar, de producir, no trabajo con imágenes previas sino que sigo un camino o una investigación en la que vengo trabajando hace tiempo. Pienso en un cuadro que siempre tuve  ganas de hacerlo escultura, o una escultura que tengo ganas de que sea  pintura.

¿Te formaste en alguna otra disciplina por fuera de las artes plásticas?

Estudié unos años diseño gráfico y trabajo en eso free-lance. La imagen de mis muestras y el  archivos visual  que voy armando con el tiempo lo diseño yo, me refiero a los flayers, diseño textos, fotos…

Marcos Torino

Marcos Torino

¿Leés habitualmente?

Este año estuve leyendo mucho sobre teoría de arte  porque estuve cursando el programa de arte de la Universidad Di Tella y algunos textos de ahí, me di cuenta después, que habían impactado en mi producción.

¿Qué autores son los que más te gustaron?

Me recomendaron uno que estoy leyendo, que lo tenía de oído,  es de un escritor mexicano… Mario Bellatin.  Siempre leí de algún modo u otro, pero ahora lo hago más consciente. Leo un poco de todo, mucho online, historia, arte, poesía, poesía me encanta.

La muestra LA TEMPERATURA DEL VÍNCULO se puede visitar hasta el 5 de diciembre en Galería PASTO (Pereyra Lucen 2589), otros trabajos de Marcos se pueden ver en su página www.marcostorino.com.ar/

 

Sobre El Autor

Imagen de perfil de Candelita Gomez

Nació en Buenos Aires en 1986. Trabajó durante quince años en diversas puestas en escena como directora, dramaturga, asistente y actriz. Exploró el universo audiovisual, realizó su cortometraje ESTERTOR y escribió otros guiones. Se formó en teatro, dramaturgia, danza Butoh y contemporánea. Colaboró en correcciones y traducciones de guiones de cine, poesía y narrativa. Trabajó durante ocho años en el Museo Nacional de Bellas Artes donde, durante el 2015, produjo el ciclo Bellos Jueves. Actualmente trabaja en la Biblioteca Nacional, se forma como docente en letras y escribe por necesidad vital.

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