Recorrimos restrospectivamente la obra de Códega, dos temas circundan y construyen el eterno retorno de sus piezas: lo híbrido y lo moral. Ya desde las pinturas inspiradas en revistas médicas de los años sesenta, donde obras como Valium y Seclar cristalizan en una lectura anacrónica e hiperrealista, el nacimiento y desarrollo de la era farmacológica, la imagen de lo medicable. Iconos de rápida y sencilla lectura. Un niño cansado en la escuela, mujeres embarazadas, pensamientos estrepitosos. Los títulos de Vademecum están en consonancia con otra obra que reutiliza la chatarra informática para convertirla en un laboratório botánico de aspecto dudoso. Su título, Allanamiento, termina de inclinar la balanza, el lugar sugiere ilegalidad, nos remite a la transmutación de aquello que proviene de la naturaleza y habita en la basura mecánica, artificial, no siempre biodegradable. Plató Agrícola parece una obra más “inocente”, esculturas de humus y semillas dentro. En este caso la hibridación sería aparentemente natural y será el rostro esculpido en humus lo que cambiará, convirténdose algún día en la unión de raíces, o un poco de césped o una hortaliza. Con Alimento (Naturaleza muerta con plantas e insectos) el protagonismo de lo natural y sus alteraciones se hace explícito. La obra consiste en una naturaleza muerta que al pudrirse acercaba moscas a una planta carnívora, compitiendo con un cebo artificial que también las atraía. Estos temas recurrentes, que se articulan en sus divesos modos de desarrollo, ponen de manifiersto ser un producto otro, tercer elemento a partir de dos especies o razas, animales o vegetales o soportes o materiales. Ya sea natural o artificial, el híbrido despoja de pureza a su producto final, fruto, planta, obra, con ello trae aparejado un debate moral, allí se encuentran Laura y su obra.

La artista cuenta que tiene series enteras de obras sin exponer . El mainstream demuestra que del arte vive cualquiera, pero el valor simbólico permite producir no capital económico, sino cultural, que debiera ser el único capital de producción para el artista. Capital abundante en las arcas de Códega.

Alimento

En Minerva y en Industria Americana Laura utiliza limón o banana como material de dibujo, sobre lienzo, sobre papel revelado al fuego, con lavandina para retraer el color o resina para que viva en el tiempo. Alimentos como soporte, material orgánico alterado químicamente para abordar temas de imaginería que traen consigo una carga moral,  como la obra que lleva el nombre Lo que importa armar el crimen en nombre de Dios. Personajés históricos, mitología, relatos poéticos que se mantienen en perfecto estado de conservación, años después de su producción. Como las máscaras que fueron utilería en su película L´Arte e la vanitá, hechas con pan en el año 2015, al momento de nuestro encuentro con Laura estaban firmes y sólidas. En la película, que se exhibió en el Museo Nacional de Bellas Artes, el híbrido se pone a disposición de la vanidad del arte mayor.

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¿Cómo nació en vos el interés por trabajar con materiales orgánicos?

Apareció cuando estaba en un discurrir por ciertos temas. Yo subía a fotolog imágenes que me interesaban y les inventaba textos o editaba textos que leía. Todos tenían que ver con lo híbrido, el encuentro de lo artificial y lo orgánico o lo artificial y lo natural. También sobre cómo lo moral se atravesaba en ciertas tomas de conciencia. Por ejemplo, el uso de un corazón artificial puede generar rechazo en ciertas organizaciones religiosas. Es algo que me interesa siempre. Lo religioso, lo moral, ritos fundaciones de ideas morales. Fui yendo por una cosa geopolítica a traves de un análisis de la imagen, no es un análisis crítico o académico, es un análisis de la imagen, caprichoso y personal, no me guío por un paradigma académico.

Me parecía atractivo cómo circula esa información en internet. A qué mundos pertenece y qué estetica tienen esos mundos a los que pertenece. En algún momento me había interesado por el agro, hay toda una estética propia de eso, me copaba mucho con las estéticas y terminaba informándome, pero mi primer acercamiento a eso era porque había algo de la estética que me parecía interesante.

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Para Laura lo convocante es la distancia entre lo orgánico y el resultado de la cultura y la moral. En su trabajo por momentos se pierde esa distancia, se invisibiliza. Sobre esto Laura dice: A veces me interesa la parte politica idelógica de esa distancia, por ejemplo, lo blanco es lo puro, lo negro es la oscuridad, etc. Ese separar qué es lo culturalmente establecido y qué es la periferia es tambien la idea del híbrido, algo menos legal y desaprobado.

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¿Cómo empezaste con el arte?

Siempre hice arte, desde muy chica, nunca dejé de pintar, desde niña lo tenía muy internalizado. Cuando termine el secundario no sabía dónde se podía estudiar arte. Después me anoté en la Pueyrredón, mientras estudiaba Periodismo pero no me copó mucho, no pasaba nada. Me fui un año a España y cuando volví había una convocatoria de la revista Ramona, me anoté para hacer una pasantía y ahi conocí a la gente que queria conocer. Todas esas personas fueron parte de mi educación artistica. Empecé a ir a muestras, a participar de algo más discursivo del arte, que estaba bueno. También tomé clases con Diana Aisenberg, estuve en las becas del CIA, ahí hice talleres con Tulio de Sagastizábal, clínicas con Macchi, talleres internacionales, un montón de cosas que estaban re buenas.

¿Cómo fue ese empezar a mostrar?

La primer muestra grande la hice en la galeria Otero y se llamó Medium . Son pirograbados en cuero de vaca. Me parecía natural pasar del grabado con limón al grabado en cuero. Acá el tema de las obras era un imagenirio popular de tatuajes old school que traía algo  de los cuentos, las baladas, las narraciones, hay mucho de la tradición oral en estas obras. Abordan climas brumosos de la historia, muchas referencias a la anatomía.

Antes había hecho muestras pero más pequeñas. Acá fue la muestra de mi primer trabajo más maduro. Empecé a mostrar bastante tarde. Igual creo que está bueno caer en algo ya más sólida. Muchas personas que venían al taller se sorprendían, me preguntaban; esto nunca lo mostraste? Como la serie Tropicalmecánica, que nunca la mostré toda junta, pero la tengo.

trapicalmecánica pinturas

¿Todo esa producción la hiciste sin formación, de modo autodidacta, sin haber desarrollado una técnica?

Mas o menos. Había estudiando pintura en Campana cuando era chica, porque me gustaba mucho, pero siempre me resultó muy inmediato pintar, era mi lenguaje. me gustaba hacerlo, lo hacía todo el tiempo. De chica me compraba telas grandes. A los quince años pintaba telas de un metro veinte por un metro.

Después pasé un tiempo sin pintar, haciendo video o grabado y cuando volví estaba muy feliz.En el 2014 hice junto a Malena Pizani una muestra que curaba Hernán Soriano, que se llamó Tótem Tabú. Tenía muchas ganas de pintar y pinté muchos murales. Todo sobre la pared del Fondo Nacional de las Artes  Tenía una estética como heavy metal, con ilustraciónes de lo infernal, mucha cita a pinturas clasicas, algunas referidas a Goya, otras eran citas a pinturas de Dulio Pierri o Enzo Cucci.  Para hacer los murales me encerraba a pintar de la mañana a la noche y estaba feliz. Me gusta involucrarme con los trabajos, que sean verdaderamente potentes.

totem tabu

¿Con la pelicula L´arte e la vanitá cómo fue?

Tardé  dos meses en hacerla, poco tiempo, fue extremo, todo el día hacer eso, en verano, con calor. Hacer todo, guión, música, edición, vestuarios, dirigir. todo un proceso de tipo aficionado, me gusta hacer del modo afcionado mi modo de trabjar.

 

¿Cómo aparece acá el hibrido o lo moral?

Es una tragedia y hay un cuestionamiento moral, porque la vanidad engaña al arte, quiere aprovechar del arte los recursos, el conociemiento de su esoterismo. Hay una transacción entre ellas -el arte – la vanidad- que deja afuera a la hija del arte que es la artesanía. El arte tiene que elegir entre la artesanía y la vanidad, las dos no pueden existir, y aparece esto de que la artesanía parece ser un subproducto. Muchos me decían: pero la artesanía es la madre o es la hija del arte? Para mí es la hija. La artesanía es el mote que se puso a cierta reproducción en masa, generalmente de lo que era el arte de pueblos indigenas. Hay algo de marginacion hacia lo que es transformado en artesanía o en souvenir kitsch.

Hay también una imperancia de estéticas hegemónicas que se imponen.y determinan qué decir para formar parte de ciertos sectores culturales. Son bajadas que te dicen dónde hay que mirar, te organizan la mirada para que veas el mundo de una determinada manera, eso a mi no me interesa, me interesa combatirlo. Creo que la discución vanidad- arte- artesanía, un poco tiene que ver con eso. Si hubiera que actualizarlo y correrlo de los griegos, sería una discusión de esa índole.


l´arte e la vanitá

¿Hiciste otra película?

Si, se llama Aves del paraíso. Es una historia que narra la relación entre una señora y mucama , que es a la vez su amiga y enfermera.. La mostré dos veces, muy poco y estuve dos años trabajando en esa película. Fue hecha en HD pero está proyectada y regrabada para que se viera más envejecida y generar una atmósfera brumosa.

¿Después de L´arte e la vanitá hiciste la muestra de retratos en Fundación Klemm?

Si, retomé algo que había trabajado en la muestra Medium, que es ese mecanismo de trampa al ojo, generar un rostro a partir de otra imagen que puede ser leída de manera independiente. Todas las obras tienen algo del trabajo anterior.

Yo tenía un proyecto de hacer estas obras donde ves la cara o ves la escena, y cuando Ana Gallardo me propuso hacer esta muestra con Mildred Burton sugerí hacer ese proyecto, porque Mildred tiene este tipo de obras que vienen del surrealismo, de la Gestalt, me parecía perfecto. Yo hice toda la serie y después buscamos las obras de ella, eso fue ideal, sino sería dificil para mi trabajar con una artistas que tiene obra de toda su vida, variada. Hay un espíritu cercano entre las obras, lo entendí porque me gusta mucho la obra de Mildred, siempre me pareció alucinante su obra. Siento que tenemos sensibilidades cercanas.

Cuando buscamos las obras de ella encontramos modos de mirar, ironías, formas del humor, que resultaban cercanos. Encontramos cosas verdaderamente similares, como el árbol genialógico. A mí me gusta la imagen del árbol genialógico, quise poner a mi familia pero no funcionaba y terminé convirtiéndolos en pájaros. Me gustan los pájaros, siempre los uso. Pero a su vez hay una obra de Mildred que es un árbol genialógico. Al ver las obras juntas aparecían muchos elementos cercanos, que resignificaban tanto las obras de ella como las mías de un modo muy amalgamado. Conecté con algo de su universo desde un lugar profundo. También con otras artistas; hay una obra mía, que una amiga me dijo, podría ser una obra de Raquel Forner. Soy muy sensible a la pintura argentina, de un modo inconciente. Hay una materialidad, una densidad que no es la Rothko, es una densidad de acá, la tenemos nosotros Nahuel Vecino, Berni, Adriana Minoliti…

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¿Cómo surge Barón Biza, Artista Conceptual?

La hice junto con Julieta Ortiz de Latierro. Barón Biza era un escritor, político, exentrico, millonario con una vida escabrosa, fue quien invirtió en los pasajes del Obelisco para convertirlos en galería comerciales . Ahi funcionaba Metrónomo, donde se hizo la muestra. Barón Biza fue un personaje muy presente en una escena política de otro tiempo. Esta obra contaba todos los sucesos de su vida en una pintura, textos y varias performances que hicimos en el pasaje.

Barón Biza

¿Tenés planes de hacer muestras este año?

Tengo varios proyectos, como la realizacion de un video que es una balada de estética de marineros, otra que es un desfile de cabezudos, para todo necesito plata, quiero hacerlo bien, así que estoy buscando cómo hacerlo. No quiero repetirme, necesito hacer cosas nuevas.

En algún momento dijiste que tenés refentes diferentes en cada momento ¿Cuál sería tu referente de este momento?

En este momento estoy investigando sobre la risa, el humor, mirando teatro, películas, leyendo. Cuando hice L´arte e la vanitá miré muchas óperas. En función de algo que estoy investigando encuentro referentes del momento, después incorporo todo. Hay cosas que no conozco y las paso a conocer por esa investigación.

¿Te gusta leer?

Si.

¿Estás leyendo algo ahora?

Empecé a leer el Nombre de la Rosa y también un libro de María Gainza que me prestaron, uno de Reiki. Leo muchas cosas al mismo tiempo. Algunos libros los cuelgo.

laura codega foto
El trabajo de Laura Códega se puede ver en http://www.lauracodega.com/

Sobre El Autor

Imagen de perfil de Candelita Gomez

Nació en Buenos Aires en 1986. Trabajó durante quince años en diversas puestas en escena como directora, dramaturga, asistente y actriz. Exploró el universo audiovisual, realizó su cortometraje ESTERTOR y escribió otros guiones. Se formó en teatro, dramaturgia, danza Butoh y contemporánea. Colaboró en correcciones y traducciones de guiones de cine, poesía y narrativa. Trabajó durante ocho años en el Museo Nacional de Bellas Artes donde, durante el 2015, produjo el ciclo Bellos Jueves. Actualmente trabaja en la Biblioteca Nacional, se forma como docente en letras y escribe por necesidad vital.

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