Universos Paralelos, la muestra de Alejandro Pasquale en Quimera del Arte, nos invita a recorrer un mundo de fantasía posible en trazos suaves de lápices o con la solidez del óleo. obras en pequeño y gran formato constituyen un relato sobre el juego y la imaginación.

Niños y adolescentes esconden sus rostros, juegan al aire libre sumergidos en un ritual. A veces podremos ver sus ojos, cargados de tedio, tal vez angustia; sorprendidos o concentrados; posando para el retrato de quien quizás juegue con ellos o simplemente los observa para dejarlos así instalados en el recuerdo para siempre.

Rodeados por sí mismos. La atmósfera la producen los personajes al colocarse sus máscaras. El objeto que los oculta fue hecho de papel, flores, a veces pintados, a veces en crudo. Se ocultan incluso tras los bosques que proyectan aquellos que eligen cubrir sus rasgos, para dejarnos ver dentro de sus mentes: mundos fantásticos, paisajes naturales, grullas que vuelan, colibríes y escenas botánicas.

Un aire quieto y silente a pesar de la acción. Niños prolijos, pulcros, a pesar de sus juegos.

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La posible inmensidad de un charco (2016)

¿Cómo surgió la muestra Universos Paralelos?

Universos paralelos es una muestra que relata la búsqueda en la que estoy en este momento con mi obra. Surge a partir de obras realizadas dentro de los dos últimos años de trabajo. La idea de las imágenes que surgen a partir de esta búsqueda es la de retratar lo invisible, describir en la bi-dimensión un instante de la imaginación, volver visible lo que existe solo en la mente de los personajes que aparecen en estas escenas.

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Colosos (2016)

En obras como Estío (2015), o Colosos (2016), trabaja con un recursos que se origina en la fotografía, se popularizó con aplicaciones móviles fotográficas y la proliferación del diseño gráfico, ¿cómo funciona para usted repensar en estos mecanismos y la incorporación dentro la plástica?; pensándolo incluso como naturalización de estos lenguajes y estéticas, dentro de los imaginarios de la imagen.

Tal vez preferiría hablar de ese recurso como una herramienta estética de pleno y vacío, fondo y figura. También es un recurso compositivo que fue utilizado en varias de las obras de Rene Magritte por ejemplo, más que como un filtro de aplicaciones móviles.

En mis pinturas o dibujos lo utilizo como síntesis casi literal de la búsqueda en la que estoy, es en el interior de la silueta donde se encuentra el mundo imaginario del personaje, ocupa el lugar de la esencia de estos retratada en la bi-dimensión de la obra. La idea es que no compita con la figura dibujada en blanco y negro, sino que sea una especie de ventana hacia otro mundo, o hacia el interior del universo en el que se encuentran suspendidos.

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Estío (2015)

¿Cómo trabaja los personajes que habitan sus obra?

Generalmente son personajes formados por varias partes de distintas fotografías con los que genero un boceto. Una vez que tengo la situación y la posición que estaba buscando comienzo a trabajarlos en el soporte final, usando esos bocetos como guía. Siempre del boceto a la obra final existe una mutación casi del 100% en el resultado final, por eso es que aclaro que el boceto es solo una guía a la hora de pintar.

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Equilibrio (2016)

¿Cómo definiría las texturas que lo convocan al momento de pintar y dibujar?

Cada obra, en cierta forma, narra un momento de mi vida. Me crié en lugares rodeados de naturaleza, inclusive los años de mi infancia que estuve en buenos aires siempre fueron muy cercanos al Delta. Los objetos que aparecen tienen que ver con lo mismo, libros de botánica, macetas, animales que fueron parte de mi vida, etc… Las máscaras de hecho funcionan como una metáfora de la obra en sí misma. Como refugio o puente a mi propio universo.

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Flora y Fauna (2016)

Hay escenas en entornos cargados de naturaleza contrapuesta con protagonistas prolijos, limpios, ¿cómo articula este vínculo?

Los niños retratados están suspendidos en una naturaleza bastante idílica, podría ser que estos no se encuentren realmente en esa situación o en ese espacio, sino más bien que sea creación imaginaria de ellos, como comentaba antes, es lo que me interesa retratar.

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Invisible (2015)

La obra de un artista, a lo largo de su carrera, podría pensarse como el desarrollo de uno o de algunos temas, que pueden variar, mutar, pero siempre algo los une ¿Considera esto posible para pensar su obra, luego de seis años de exposiciones e intensa actividad? pensándola como artista o en la devolución que recibe desde el público y los medios.

Lo veo posible, desde mi punto de vista veo una evolución en cada una de las búsquedas que desarrollé a través de estos años, sea una búsqueda en cuanto al material o a la imagen en sí. Creo que la obra de cada artista es una representación de un estado o vivencia propia, por lo menos un punto de vista sobre el mundo. Me es imposible hacerme a un lado de mi propia mente o sentimientos, con lo que creo que ese es el hilo conector entre mi trabajo. A medida que la obra evoluciona también evoluciona mi ser por consecuencia, y viceversa.

Me gusta ver eso en los artistas que me interesan, ver sus primeras obras y hacer una especie de línea de tiempo… es una buena forma de entender al artista.

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Sistema de defensa ante mi propio universo (2015)

¿Cómo es su proceso de trabajo y la creación de una serie?

Trabajo las ideas en una primer paso en un boceto digital muy básico, prácticamente ubicando formas en un espacio, y luego voy armando con distintas imágenes la escena. No le doy mayor importancia a los detalles del boceto, de hecho intento que me sirva mas que nada como “recordatorio visual” de la idea que atravesó mi mente en cierto momento. Necesito eso ya que a veces puedo estar cerca de dos meses (he estado hasta 6 meses) con una misma obra.

Una vez que el boceto ya tomó el carácter de la escena imaginada comienzo a trabajar en el soporte final, independientemente del material que utilice.

No pienso mi trabajo en series, mas bien estoy en una búsqueda constante, la que va teniendo una transformación paulatina.

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Tierra negra (2016)

¿Cómo ve la escena del arte contemporáneo?, en relación a la velocidad y proliferación permanente de productos diversos en todos los mercados.

Veo una gran cantidad de artistas excelentes, tanto locales como en el extranjero.

Por otro lado creo que hay una gran parte que se guía por las tendencias del mercado, y otra parte que se compromete en una búsqueda del lenguaje propio, tal vez sea más laborioso y demande otro tipo de esfuerzo que tomar los caminos con huella marcada, aunque estoy convencido en que esta última es la que más me interesa en lo personal y lo que valoro en el trabajo de mis colegas.

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Somos lo que soñamos (2015)

¿Qué artista le interesan en la actualidad?

Investigo constantemente artistas locales y extranjeros, menciono algunos según me vienen a la mente; Michael Borremans, Gerhard Richter, Max Gomez Canle, Otto Dix, René Magritte, Henry Rousseau, Balthus, Francisco de Goya, Diego Velázquez.. y la lista puede ser inmensa.

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La realidad no me necesita (2016)

¿Cuáles son sus referentes?

Desde siempre admiré la crudeza de Goya, más que nada en sus pinturas negras. La hermosa fealdad de los retratos de Velázquez, la impecable factura de las pinturas de Richter, las escenas de Balthus, la forma de pintar la carne en los retratados de Freud, la autenticidad de Magritte y Rousseau.

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Frágil (2016)

¿Cuáles fueron sus lecturas fundacionales?

Libros de botánica, siempre me interesó mucho la estructura de las plantas, las funciones de cada parte de ellas, los mecanismos de defensa y adaptación. Leí, estudié y cultivo distintas especies de plantas sagradas. Muchos de los libros que leo tienen que ver con eso. Así llegué a los libros de Carlos Castañeda, uno de mis escritores preferidos.

Fernando Pessoa es otro escritor de los cuales me nutrí bastante, y de quien extraje algún título para mis obras leyendo sus poesías.

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Del jardín de los soñadores (2015)

¿Que lee en la actualidad?

En este momento no estoy con ningún libro, solo consultando algunos que ya he leído.

El último libro que leí es “Lo que significa amar” de Mathieu Lindon.

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Artista: Alejandro Pasquale

Exibición: Universos Paralelos

Galería: Quimera del Arte, Humboldt 1981, C.A.B.A.

 

Sobre El Autor

Imagen de perfil de Candelita Gomez

Nació en Buenos Aires en 1986. Trabajó durante quince años en diversas puestas en escena como directora, dramaturga, asistente y actriz. Exploró el universo audiovisual, realizó su cortometraje ESTERTOR y escribió otros guiones. Se formó en teatro, dramaturgia, danza Butoh y contemporánea. Colaboró en correcciones y traducciones de guiones de cine, poesía y narrativa. Trabajó durante ocho años en el Museo Nacional de Bellas Artes donde, durante el 2015, produjo el ciclo Bellos Jueves. Actualmente trabaja en la Biblioteca Nacional, se forma como docente en letras y escribe por necesidad vital.

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