Del 18 de julio al 20 de agosto, el Museo Nacional de Bellas Artes, junto al Centro Cultural de la Embajada del Japón, la Japan Foundation y Evaristo cultural, presentan la exposición Variaciones y autonomía. Grabados contemporáneos de Japón, curada por Kyoji Takizawa, del Museo de Artes Gráficas de la Ciudad de Machida. A través de 36 estampas realizadas por artistas de los años 70, puede vislumbrarse la impronta de una tradición secular, actualizada mediante la apelación a antiguas técnicas –xilografía, litografía y serigrafía– con las cuales se abordan los temas clásicos del arte universal.
Sobre fines del siglo XVIII el enigmático Sengai, un monje zen que utilizó el grabado como medio de difusión doctrinaria, expuso en su obra El Universo, compuesto por un triángulo, un círculo y un cuadrado, la idea de que la matemática es el lenguaje secreto de la creación. Proponía así un gran desafío para el arte democrático y popular de la estampa japonesa, hasta entonces ceñido al costumbrismo y el paisajismo. Desarrollada en contrapunto crítico con la caligrafía y el dibujo, atributo de la cultura letrada aristocrática, de características tendientes a la abstracción, la estampa japonesa alcanzaría renombre e influencia mundial por medio de figuras como Hiroshige, Utamaro y el ya icónico Hokusai. Dos siglos más tarde, los grabadores contemporáneos del que fuera el Imperio del Sol Naciente, hoy transformado en un pujante país del ya no tan lejano ni exótico Oriente, recogen en forma explícita aquella aporía de Sengai como una invitación a construir un arte nuevo. Un arte que retoma las tensiones de una nación que vive la dialéctica entre modernidad y tradición como uno de sus componentes cruciales, de cuyo diálogo surgen los rasgos que identifican la imagen potente con que, releída, las imágenes del pasado interpelan al presente.
El Museo Nacional de Bellas Artes tiene el honor de presentar en sus salas la exposición Variaciones y autonomía. Grabados contemporáneos de Japón, curada por Kyoji Takizawa, del Museo de Artes Gráficas de la Ciudad de Machida. A través de 36 estampas realizadas por artistas de los años 70, puede vislumbrarse la impronta de una tradición secular, actualizada mediante la apelación a antiguas técnicas –xilografía, litografía y serigrafía– con las cuales se abordan los temas clásicos del arte universal.
Andrés Duprat
Director del Museo Nacional de Bellas Artes
Variaciones y autonomía. Grabados contemporáneos de Japón
En la década de 1970, jóvenes artistas japoneses expandieron su expresividad en todos los aspectos del arte contemporáneo al utilizar las amplias posibilidades que ofrece la técnica del grabado. Ciertos aspectos de este desarrollo ya habían sido reconocidos, pero quienes formaron el eje principal del grabado contemporáneo fueron los especialistas o artistas dedicados al grabado de la posguerra.
Luego de la Segunda Guerra Mundial, fue notable el aumento de pintores japoneses que comenzaron a trabajar la técnica del grabado. Desde los años 70, junto con el incremento del valor de estas piezas en el mercado, un número mayor de artistas volcó sus manos a esta disciplina en una amplia gama de estilos y soportes, lo que se tradujo en un fuerte impulso al mundo del grabado.
Esta exhibición presenta obras de artistas que han sustentado este proceso, para echar luz sobre el desarrollo de un nuevo campo de grabados contemporáneos japoneses realizados por pintores –un campo notable tanto como variación de la pintura como forma artística autónoma– y, a su vez, alentar al público a repensar la historia de esta técnica en Japón.
Masanari Murai (1905-1999)
Nació en la prefectura de Gifu. Luego de graduarse en el Bunka Gakuin (Instituto cultural) en 1928, Murai se muda a Francia. Hasta su retorno a Japón en 1932, viajó extensivamente por Europa mientras producía sus pinturas. Antes de la Segunda Guerra Mundial, mientras estaba en Tokio, Murai se convirtió en un pionero en Japón del arte abstracto. Después de la guerra, creó pinturas abstractas profundamente humanistas, usando líneas, planos y colores para expresar a la gente. Murai empezó a dedicarse a la impresión de grabados en los años cincuenta.
Toshinobu Onosato (1912-1986)
Nació en la Prefectura de Nagano. Antes de la Segunda Guerra Mundial, las pinturas de Onosato estaban marcadas por un estilo constructivista con tendencia a la abstracción. Se alistó en el ejército después del estallido de la Guerra del Pacífico, pero más tarde fue enviado a un campo de prisioneros siberiano. Después de la guerra, se centró únicamente en pinturas geométricas basadas en el tema de los círculos. A fines de la década de 1950, Onosato comenzó a hacer litografías y, en la década de 1960, pasó a serigrafía, creando numerosas obras de imprenta.
Yasukazu Tabuchi (1921-2009)
Nació en la prefectura de Fukuoka. Tabuchi comenzó a hacer pinturas mientras estudiaba historia del arte en la Universidad de Tokio. En 1951, se trasladó a Francia para asistir a la Sorbona. En 1953, Tabuchi inició su carrera como artista, participando en una variedad de actividades creativas mientras estaba en París. A la vista de los orígenes culturales que subyacen entre Europa y Oriente, creó pinturas al óleo plagadas de un hálito erótico y ricos colores. Al mismo tiempo, Tabuchi produjo y publicó colecciones de litografías, grabados de cobre y grabados de madera (algunos de ellos libros de poesía).
Yayoi Kusama (1929-)
Nació en la Prefectura de Nagano. Kusama comenzó su carrera como artista después de mudarse a Nueva York en 1957. En la década de 1960, mostró esculturas basadas en temas como el sexo y la comida mientras organizaba “happenings” frecuentes. Después de regresar a Japón en 1973, Kusama comenzó a publicar novelas mientras continuaba haciendo arte. En 1979, comenzó a expresar imágenes infinitamente proliferantes, divididas, unidas y difundidas en innumerables grabados de cobre, serigrafías y litografías.
Natsuyuki Nakanishi (1935-2016)
Nació en Tokio. Nakanishi se graduó en el Departamento de Pintura Occidental de la Universidad de las Artes de Tokio en 1958. En la década de 1960 organizó una variedad de eventos en la calle y en galerías, planteando varias preguntas sobre la sociedad con el arte de vanguardia. Debido a su amistad con el bailarin de butoh Tatsumi Hijikata, Nakanishi también participó estrechamente en la creación de escenarios y otros accesorios para las actuaciones de butoh. Comenzó a centrarse principalmente en la pintura en la década de 1960, y en la década de 1970, se focalizó en trabajos al óleo con blanco, púrpura y verde amarillento como tonos clave. También produjo serigrafías y grabados de cobre. 
Hitoshi Nakazato (1936-2010)
Nació en Tokio. Después de graduarse en la Universidad de Arte de Tama en 1960, Nakazato se matriculó en los programas de postgrado de arte de la Universidad de Wisconsing y de la Universidad de Pennsylvannia de 1962 a 1968. Se dedicó a la pintura y al grabado mientras estuvo en Nueva York. Nakazato mostró principalmente su trabajo en los Estados Unidos y Japón. Limitándose a elementos como líneas, formas geométricas y colores, produjo trabajos que exploraron la creación de imágenes e ilusiones, y la relación entre la pintura y el grabado.
Tomoharu Murakami (1938-)
Nació en la Prefectura de Fukushima. Después de graduarse en el departamento de pintura japonesa de la Universidad de Artes de Tokio en 1961, Murakami cambió a la pintura al óleo. Luego, después de ver trabajos de Expresionismo Abstracto en los Estados Unidos en 1964, hizo un cambio dramático en su dirección. En 1979, se convirtió al catolicismo y comenzó a hacer pinturas como oración a Dios. Además de los grabados de cobre, Murakami fabrica obras tallando bloques de piedra, vertiendo tinta sobre ellos e imprimiendo repetidamente con los bloques.
Naoyoshi Hikosaka (1946-)
Nació en Tokio. Después de abandonar la Universidad de Arte de Tama en 1970, Hikosaka se inscribió en un programa de posgrado en la Universidad de Pensilvania como estudiante especial en conjunto con el programa de estudios de la Agencia para Asuntos Culturales en el Extranjero. Después de regresar a Tokio, mostró principalmente su trabajo en una serie de exposiciones individuales. Hikosaka creó «pinturas de madera», en las cuales examinó la relación entre la pintura y la escultura aplicando uniformemente la pintura acrílica a las planchas de madera. Ha producido numerosos grabados usando litografía, serigrafía, grabado de cobre y bloques de madera. 
Kosai Hori ( 1947-) Nació en la Prefectura de Toyama. Hori abandonó la Universidad de Arte de Tama. Durante su estancia en Tokio, mostró principalmente su trabajo en exposiciones individuales y participó en exposiciones colectivas en Japón y en el extranjero, incluyendo la Bienal de París y la Bienal de Venecia. Mientras continuamente cuestiona la naturaleza de la pintura, Hori hace fotos que combinan acrílico, palitos de aceite, pigmentos minerales naturales y tinta sumi. Al mismo tiempo, también crea trabajos de serigrafía.
Toeko Tatsuno (1950-2014)
Nació en la Prefectura de Nagano. Tatsuno completó un curso de posgrado en la Universidad de Artes de Tokio en 1974. Mientras estudiaba grabado en la escuela, comenzó a crear trabajos de serigrafía en el estilo minimalista. Luego, en Tokio, continuó sus actividades creativas, centrándose principalmente en la pintura al óleo, y mostrando su trabajo tanto en exposiciones individuales como colectivas. Usando formas geométricas y abundantes colores para expresar formas que se encuentran típicamente en la vida cotidiana, Tatsuno produjo pinturas abstractas y grabados basados en expresiones espaciales únicas.
